Услышать настоящую музыку

Слияние музыки, живописи и литературы необходимо для приобщения к светлому и высокому в искусстве, для духовного пробуждения и нравственного воспитания мировоззрения детей. Одна из участниц Покровских образовательных чтений просто уверена в этом и спешит поделиться опытом своей работы с нашими читателями.

Важно душевное состояние

Многие учителя музыки, стремящиеся к развитию чувственного восприятия у детей, работают по методике замечательного педагога, ученого, долгие годы проработавшего под руководством Дмитрия Борисовича Кабалевского — Людмилы Васильевны Горюновой. Обращаясь к учителям, она говорила: «В центре внимания педагога должно быть не столько само музыкальное произведение, сколько сопереживание, душевное состояние, то есть нравственные изменения, которые возникают в детях». Эти слова являются для меня главными в преподавании музыки.

Об этом «сопереживании» стараешься не забывать, когда выстраиваешь урок. Наполняешь его интересными для детей и очень актуальными в наше время формами восприятия добра, милосердия, человеческого сострадания, сопереживания, радости и гордости за малую и большую Родину. Урок достигает своей цели, если дети видят в произведениях искусства выражение человеческих эмоций, если захотят дать оценку всему многообразию жизненных явлений. На уроках музыки я пытаюсь формировать духовный мир ребенка в соответствии с метапредметными результатами, показать жизнь, представленную языком искусства. Стараюсь соотносить материал, преподаваемый на уроке, с материалами из литературы, изобразительного искусства, истории, краеведения. Полноценный урок музыки, по-моему, нельзя построить без произведений живописи, поэзии, прозы. Обязательно нужно воспользоваться и произведениям прикладного искусства, и народными традициями, фольклором, архитектурными и скульптурными шедеврами.

Любовь к колокольному звону

Цикл уроков, посвященных Руси колокольной, начинаю с выдержек из текста приговора времен правления Бориса Годунова: «Сбросить со звонницы, вырвать язык, отрубить ухо, отстегать плетью 12 раз, сослать в Сибирь». В народе его назвали «опальным мучеником», «безвинным страдальцем», «защитником невинно убиенного младенца». Кому же был вынесен этот приговор? И за что могли приговорить к такому наказанию?

Конечно, не все ребята сразу догадываются, что речь идет об угличском колоколе, разнесшем скорбную весть об убиенном царевиче Димитрии. Но тем интереснее и познавательнее для них становится ход урока.

Мы говорим о колокольных звонах на Руси, сопровождающих православного человека всю жизнь: от рождения, крещения, венчания до отпевания. Говорим о том, что колокольные звоны стали органичной частью музыкального стиля и драматургии произведений русских композиторов-классиков, как в оперных, так и в инструментальных жанрах.

Рассматривая картины и репродукции, говорим о том, что самобытность русских городов и селений с детства окружала каждого русского композитора, оказывая влияние на их творчество. Ребята с удовольствием слушают рассказ о детских привязанностях и впечатлениях М.И. Глинки, который страстно любил в то время колокольный звон и жадно вслушивался в эти звуки. Замечают, что на эту любовь не могла не повлиять церковь, построенная в их усадьбе дедом М.И. Глинки.

Педагог по мировой художественной культуре добавляет мой рассказ о колоколах Новоспасской церкви, чудом сохранившихся во время коммунистических погромов.

Ребята с интересом слушают о том, как в 1941 году священник и несколько мирян сняли колокола и затопили их в Десне, а кто-то из местных сообщил об этом фашистам, которые схватили священника и пытали его, обливая на морозе холодной водой, требуя, чтобы он указал место, где спрятаны колокола. Поступок священника, умершего под пытками заживо замороженным, учащиеся называют мученическим подвигом.

После полученной информации опера Михаила Ивановича Глинки «Иван Сусанин» воспринимается детьми как истинный классический образец русской оперы. Колокольный звон в опере звучит в заключительном хоре «Славься». Опера была принята к постановке в Петербурге. Репетиции начались в мае 1836 года и проходили под названием «Иван Сусанин», но один из государственных министров, посетив репетицию, посоветовал переименовать ее в «Жизнь за царя». Композитор долго не соглашался. В итоге название «Жизнь за царя» все же закрепилось.

В заключение даю прослушать хор «Славься», где народ славит родную землю и погибших героев, славит всех воинов, отстоявших свободу Руси. Несмотря на довольно быстрое движение, ребята отмечают, что музыка хора величава, торжественна и похожа на гимн. А ведь и сам Глинка назвал этот хор гимном-маршем. Предлагаю ребятам прослушать дома с родителями понравившиеся отрывки из оперы Михаила Ивановича Глинки «Жизнь за царя» и записать впечатления каждого от прослушанного.

Музыкальный символ

Также в цикле уроков «Русь колокольная» знакомлю учащихся с творчеством еще одного замечательного русского композитора — Модеста Петровича Мусоргского — и его оперой «Борис Годунов». Композитор построил музыкальную драматургию оперы на полном совпадении музыки и драматического действия. Ребята сразу слышат распевные интонации в мелодике, отмечают близость к старинной крестьянской песне и народному говору. Колокольные звоны Московского Кремля проходят через всю оперу М.П. Мусоргского.

Слушаем отрывки: праздничного перезвона «венчания на царство»; в келье Чудова монастыря раздается приглушенный звон к заутрене; в царском тереме под скорбный вечерний перезвон Борис терзается угрызениями совести; в Грановитой палате царь умирает под погребальный звон; на лесной поляне, под Кромами, тревожно и грозно звучит набат, извещающий Русь о новой беде.

В завершение подвожу ребят к самостоятельному выводу: в опере «Борис Годунов» драматургия колокольных звонов является одним из важнейших средств воплощения всего содержания: композитор целенаправленно выстраивает драматургическую линию так, чтобы она органично переплеталась с развитием сюжетных линий. Колокольный звон – это не только музыкальный образ Бориса, но и музыкальный символ царской власти.

Тревожный набат

Нельзя в этом цикле не вспомнить о кантате Сергея Прокофьева «Александр Невский». Ребята узнают, что кантата возникла из музыки к одноименному фильму Сергея Эйзенштейна, вышедшему в 1938 году. Фильм и музыка к нему, созданные незадолго до Великой Отечественной войны, воскресили на экране героическую борьбу дружины благоверного князя Александра Невского с тевтонскими рыцарями-крестоносцами. Каждая часть поражает яркостью образов. Слушая одну только музыку, учащиеся отмечали, что как будто представляли себе бескрайние равнины Руси, разоренный тевтонцами Псков, битву на Чудском озере, устрашающее наступление крестоносцев, стремительные атаки русских, гибель рыцарей в холодных волнах озера. «Зримость образов» очень характерна для музыки Прокофьева.

Интересным, в связи с этим, показался и сам процесс создания музыки к кинофильму. Для композитора очень важно было видеть кинокадры, почувствовать, впитать в себя характер и ритм каждой сцены. Сергей Прокофьев в кантате «Александр Невский» «Вставайте, люди русские» написал в жанре героической дружинной песни-призыва.

Звучание набата – звона, к которому редко обращаются. Ребята отмечают тревожный, мощный звон колоколов, извещающий об опасности. Я говорю им, что набат называют колоколом беды и тревоги. Спрашивая, что они слышат в мелодии, в ее настойчивых повторяющихся энергичных интонациях, ожидаю разные ответы, но почти все отвечают, что слышатся боевые кличи и призывы. Вспоминаем, что именно эта музыка часто звучала по радио во время Великой Отечественной войны.

Язык чувств

Музыка – язык чувств. Наверное, поэтому Сергей Васильевич Рахманинов писал: «Одно из самых дорогих воспоминаний детства связано с четырьмя нотами, вызванивающимися колоколами новгородского Софийского собора… Четыре ноты складывались во вновь и вновь повторяющуюся тему, четыре серебряные плачущие ноты… У меня с ними всегда ассоциируется мысль о слезах…».

Первый опыт молодого композитора в этой области дался ему тяжело. В 1900 году он работает над своим знаменитым произведением «Второй фортепианный концерт».

Вторая и третья часть концерта были созданы довольно быстро, а первая часть не удавалась. Рахманинову хотелось найти захватывающее начало, и он нашел – восемь полных, глубоких аккордов с постепенно нарастающей звучностью, за каждым из которых следует тяжелый басовый удар. Эти восемь аккордов многие исследователи сравнивают с мерными ударами русского колокольного благовеста.

Слушаем, сравниваем, чувствуем, ощущаем и оцениваем музыку, познаем мир и себя. На уроках я стараюсь погрузить ребят в музыкальный образ жизни, где есть возможность показать им мир чувств другого человека, например композитора, — это всегда помогает лучше понять материал, его духовный смысл.

Рассказывая о нелегкой, как у многих эмигрантов, судьбе Сергея Васильевича Рахманинова, не могу не рассказать ребятам о его первом выступлении со «Вторым фортепианным концертом» в Америке, в конце 1942 года. Он сел за рояль, закрыл глаза, словно отрешаясь от суеты. И, едва первые звуки оркестра полетели в зал, на слушателей обрушилась музыка того самого «Второго фортепианного концерта» – восемь фортепианных аккордов, восемь мерных ударов русского колокольного благовеста.

Композитор взахлеб рассказывал народу Америки о своей Родине, и замершие в креслах люди, околдованные его музыкой, подсознательно понимали, что народ, у которого есть такая музыка, победить невозможно.

Учащиеся говорят, что в этой музыке они слышат Россию, ее поля, города, реки, могучую силу русского народа, который невозможно поставить на колени. Колокол – это символ голоса России, – такой вывод в завершении цикла «Русь колокольная» делают ребята, – а русские композиторы знали, что в православном звоне заложена дивная сила, глубоко проникающая в человеческие сердца, и использовали колокольный звон в своем творчестве.

Ромен Ролан сказал: «Всё сущее на земле есть музыка, нужно только её услышать». На своих уроках и во внеурочной деятельности я стараюсь помочь ребятам услышать настоящую музыку.

Анжела Игнатьева

Поделиться в: